Caras B 2011

Este año me adelanto a la publicación del Top10 de LaButaca.net, que al caer está, y lanzo mi habitual Top5 de caras B. Es decir, aquellas películas que no caben en mis 10 favoritas del año por diversas razones, pero tan imprescindibles o más que aquellas que consiguen un consenso crítico más amplio. Estas son cinco joyitas apenas mentadas o directamente pasadas por alto, cinco obras que, por cierto, se han atrevido a repensar el discurso audiovisual y que, por tanto, merecen mucha atención.

1. Sucker Punch (Zack Snyder, 2011). O los formatos relegados a la categoría de subcultura confabulados para apropiarse de una narrativa reinventada como viaje al subconsciente, en la que el relato avanza a base de fantasías camp que operan como fases de un videojuego. Fascinante, cañera estimulante y visualmente prodigiosa. Es la gran infravalorada de 2011. 

2. Scream 4 (Wes Craven, 2011). Quizá la mejor Scream y, a buen seguro, el mejor Wes Craven en años. El prólogo es toda una declaración de intenciones para una película que goza de un brillante corregido y aumentado del discurso de la saga, aquí a través de la profanación de todos los límites de la metaficción y la consciencia narrativa. Además, es divertidísima.

3. Hanna (Joe Wright, 2011). Hermanos Grimm + Thriller europeo + Ñoñería adolescente y pija + Tópicos españoles en ruta + Villanos kitsch + Saoirse Ronan + Eric Bana post-Bourne + Acción anfetamínica + The Chemical Brothers a todo trapo. Hanna es, para bien y para mal, francamente inolvidable.

4. Pina (Wim Wenders, 2011). En medio del abuso de las 3D, Wim Wenders dedica un personalísimo documental a la figura de Pina Bausch y demuestra que las tres dimensiones pueden servir para algo más que para el sentido de la profundidad o para arrojar objetos al espectador. Un experimento de concepto intachable y asombrosa belleza.

5. Le quattro volte (Michelangelo Frammartino, 2010). El mundo y los premios se rinden a The artist (Michel Hazanavicius, 2011), pero Le quattro volte seguirá siendo, en secreto, la verdadera (y la mejor) película muda del año. Y sobran las palabras en esta película desconcertante que explora las posibilidades del lenguaje audiovisual en cada plano, con el objetivo de ilustrar los ciclos de la vida y apuntalar su tesis sobre las transmigraciones del alma. 

En las imágenes: Imagen promocional de Sucker punch © 2011 Warner Bros. Pictures, Legendary Pictures y Cruel & Unusual Films. Todos los derechos reservados. Imagen promocional de Scream 4 © 2011 Dimension Films, Midnight Entertainment y Outerbanks Entertainment. Todos los derechos reservados. Fotograma de Hanna © 2011 Focus Features y Holleran Company. Todos los derechos reservados. Fotograma de Pina © 2011 Neue Road Movies. Todos los derechos reservados. Fotograma de Le quattro volte © 2010 Vivo Film, Esential Filmproduktion, Invisibile Film y Ventura Film. Todos los derechos reservados.

El topo

El topo hace una relectura de la obra de John Le Carré como extensión de ese universo doloroso y caduco, en el que no caben los sentimientos pero sí la muerte de éstos —el plano que sintetiza la ruptura sentimental de Peter Guillam (Benedict Cumberbatch)—. Es, además, ese escenario, un ejercicio de estilismo que nunca se despega de la fidelidad narrativa hacia la obra original, pero que reconstruye de forma exquisita una Guerra Fría de claroscuros y grano que se reinventa cada vez que la música de Alberto Iglesias suena en las calles de Budapest, Estambul, o en las compartimentadas entrañas del Circus —magnífica la revisión de ese imaginario interior en el diseño de producción de Maria Djurkovic—. La confluencia de ambas constantes da como resultado una mirada siempre problemática pero plenamente coherente, una película cuya personalidad se encuentra en algún lugar entre la reposada, apasionante narrativa del thriller europeo de espías a la antigua usanza, y el tapizado arthouse que culmina en un clímax de inesperadas connotaciones épicas.

Leer crítica completa en LaButaca.net
Fotograma de El topo, película distribuida en España por DeAPlaneta © 2011 Working Title Films, Studio Canal, Karla Films, Paradis Films y Kinowelt Filmproduktion. Todos los derechos reservados.

"The artist"

The artist se revaloriza con la nostalgia del espectador, al tiempo que habla del agónico final de la propia del protagonista. En el crepúsculo de un notable Jean Dujardin —meritoria la diferencia gesticular que distingue a la persona y al personaje, público o en la ficción, en el mismo lado de la pantalla— está la clave que también vale para la película: sólo en la conclusión de que cualquier tiempo pasado no fue necesariamente mejor, alcanza su redención y se basta como estimulante y libre ejercicio de revisiones, siempre con la ganada simpatía del palco.

Leer crítica completa en LaButaca.net

En la imagen: Fotograma de "The artist", película distribuida en España por Alta Classics © 2011 La Petite Reine, Studio 37, La Classe Américaine, JD Prod, France 3 Cinéma, Jouror Productions y uFilm. Todos los derechos reservados.

Attack the block

Debut en largo de Joe Cornish —guionista en la órbita de Edgar Wright, Simon Pegg y Nick Frost, quien aquí disfruta de un breve papel—, Attack the block ofrece, desde sus engañosamente sencillos presupuestos —adolescentes contra alienígenas—, varios estratos de su comedia de género a partir de los cuales es factible discutir sobre las políticas de la marginación y la supervivencia de la infraclase urbana del primer mundo. Dicho de otra manera, Cornish desarrolla su propia estética de banlieu a partir de géneros e influencias de procedencias y contextos muy distintos, pero cuya fascinación por la “otredad” es evidente. En ese sentido, su ópera prima podría definirse como una desprejuiciada intersección entre el cine callejero y de serie B de los 70 y 80 —con Walter Hill y Los amos de la noche (1979) como principal referencia— y la tradición familiar, ya lejos del original espíritu naif, a la que pertenecieran producciones como Los Goonies (Richard Donner, 1985).

Leer crítica completa en LaButaca.net
Imagen de Attack the block, película distribuida en España por Avalon © 2011 Studio Canal, Film4, UK Film Council y Big Talk Pictures. Todos los derechos reservados.

Un método peligroso

Un método peligroso es relevante en la trayectoria de David Cronenberg al menos por dos motivos: 1) confirma la trayectoria anterior del director de Videodrome (1983) como permanente registro de pulsiones bajo las leyes de la Nueva Carne; y 2) abandona toda derivación genérica —básicamente, es una película sin género— para reconocer las bases freudianas de dichas pulsiones y acceder a una nueva dimensión dialéctica en la que el individuo y la historia quedan forzosamente enfrentados. En su relato del primer gran cisma del psicoanálisis, las referencias a las repercusiones históricas son constantes y sus protagonistas no podrían ser más conscientes de las consecuencias de sus investigaciones y diálogos.

Leer crítica completa en LaButaca.net
En la imagen: Fotograma de Un método peligroso, película distribuida en España por Universal Pictures International Spain © 2011 Recorded Picture Company, Lago Film, Millbrook Pictures y Prospero Pictures. Todos los derechos reservados.